Вы знаете, что существует много различных типов оркестра: военный оркестр, состоящий из духовых — медных и деревянных — инструментов, оркестры народных инструментов, струнные оркестры. Самым большим по составу и самым богатым по своим возможностям является симфонический оркестр, предназначенный для концертного исполнения оркестровой музыки. Оперный оркестр не имеет принципиальных отличий от симфонического, он лишь несколько меньше по числу исполнителей.

Симфонический оркестр в современном его виде сложился не сразу, а в результате длительного исторического процесса.

Самое слово оркестр происходит от греческого слова орхестра - так называлась в античной Греции площадка перед театральной сценой. На орхестру выходил хор, а впоследствии на аналогичном месте стала располагаться группа музыкантов, которая и получила наименование оркестра. Позднее этот термин приобрел более широкое значение и стал обозначать не только группу музыкантов театра, но и всякий большой коллектив музыкантов-инструменталистов.

Состав оркестра, как оперного, так и того, который позже стали называть симфоническим, до последних десятилетий XVIII века не был точно фиксированным. В театре он определялся требованиями данного спектакля, в концертном зале — составом музыкантов, состоявших на службе в данной "капелле".  Такие оркестры (капеллы, как они тогда назывались) работали в домах вельмож и были основными центрами музыкальной жизни. Оркестры, содержавшиеся на средства города или того или иного общества любителей музыки, насчитывались единицами вплоть до начала XIX века. Лишь в творчестве композиторов конца XVIII века — Гайдна и Моцарта — окончательно завершился отбор инструментов оркестра и было найдено наилучшее их соотношение.

Созданный ими классический состав оркестра с тех пор значительно увеличился, но найденные Гайдном и Моцартом принципы соотношения отдельных оркестровых групп в основе своей сохранились.

О том, что состав оркестра был результатом длительного отбора, свидетельствует то, что некоторые инструменты, например кларнет, далеко не сразу включились в семью оркестровых инструментов. И Гайдн, и Моцарт вводят кларнет лишь в своих зрелых, поздних симфониях. Таким же новшеством для своего времени было введение тромбона. Даже Бетховен использовал этот инструмент только в двух своих симфониях: Пятой и Девятой. Впоследствии оба эти инструмента прочто заняли место в оркестре.

Каков же состав классического оркестра? Основой его является струнная смычковая группа — скрипки, альты, виолончели, контрабасы. Инструменты эти очень сходны по форме и различаются лишь размером. Скрипку и альт исполнители держат у плеча, а виолончель и контрабас ставят на пол.

Струнные смычковые инструменты сходны и по тембру, они превосходно сливаются друг с другом; вся группа может звучать как один большой инструмент с мощным и певучим звуком и огромным диапазоном: от низких звуков контрабаса до высоких звуков скрипки — расстояние гораздо большее, чем охватывает, например, клавиатура рояля. Поэтому струнная группа, заполняющая все "звуковое пространство", и является основой оркестра, а в догайдновские времена оркестр часто состоял только из струнной группы с добавлением нескольких духовых инструментов.

Почти все инструменты струнной группы (за исключением контрабаса) могут выступать и как сольные инструменты с яркими индивидуальными качествами. Самыми разнообразными возможностями обладает скрипка: на ней можно исполнять музыку необычайной быстроты и легкости, но скрипка может звучать певуче и выразительно, как человеческий голос.

В сюите Римского-Корсакова "Шехеразада", написанной под впечатлением сказок "Тысячи и одной ночи", мелодия солирующей скрипки проходит во всех четырех частях. Эта "говорящая" мелодия как будто передает речь самой Шехеразады-сказочницы.

Над изобретением такого замечательного инструмента, как скрипка, потрудилось не одно поколение мастеров. В эпоху Возрождения в Италии, в городе Кремоне, жили целые семьи, занимавшиеся изготовлением скрипок. От отцов к сыновьям передавались накопленный опыт и высокое мастерство, требовавшее не только таланта, но и огромной вдумчивости, тщательности и терпения: ведь малейшее изменение выгиба или толщины корпуса уже отражалось на характере звука. Всему миру известны скрипки мастера Антонио^Страдивари, всю свою долгую жизнь (он умер 94-х лет!) трудившегося над усовершенствованием этого инструмента. Скрипки Страдивари отличаются необыкновенной красотой и силой звука, поэтому и сейчас скрипичные мастера внимательно изучают их форму и материал, из которого они сделаны.

В Советском Союзе существуют специальные научные лаборатории-мастерские, где ученые исследуют свойства музыкальных инструментов. Скрипки, сделанные советскими мастерами Т. Подгорным, Е. Витачеком, отличаются очень высокими достоинствами.

Совершенствование изготовления скрипок шло параллельно с совершенствованием исполнения. История сохранила память о первых виртуозах-скрипачах XVII — начала XVIII века, бывших и авторами сочинений для скрипки, — Вивальди, Корелли, Тартини. В конце XVIII — начале XIX века блистательную страницу в историю скрипичной музыки вписал Паганини, о мастерстве которого слагались легенды. В XIX и начале XX века прославились поляк Венявский, чех Кубелик. В XX веке — наш соотечественник Ойстрах, француз Тибо, американец Стерн.

К тому же "семейству", что и скрипка, принадлежат альт, виолончель, контрабас. Альт очень похож на скрипку, но он несколько больше по размерам и ниже по звучанию. Звук у него не такой яркий и не такой сильный, как у скрипки, и потому альт сравнительно редко используется как сольный инструмент. Но в оркестре и в квартете без альта нельзя обойтись.

Звук виолончели такой же певучий и почти такой же сильный, как и звук скрипки, но отличается от него по тембру. Если скрипка — сопрано, то виолончель — контральто среди инструментов оркестра.

М. Горький в своей повести "В людях" рассказывает, какое сильное впечатление произвел на него звук виолончели, впервые им услышанный: "…Из квадратной форточки окна вместе с теплым паром струился на улицу необыкновенный звук, точно кто-то очень сильный и добрый пел, закрыв рот; слов не слышно было, но песня показалась мне удивительно знакомой и понятной… Я сел на тумбу, сообразив, что это играют на какой-то скрипке, чудесной мощности и невыносимой — потому что слышать ее было почти больно. Иногда она пела с такой силой, что, казалось, весь дом дрожит и гудят стекла в окне. Капало с крыш, из глаз у меня тоже закапали слезы".

Воспоминания М. Горького превосходно передают особенности тембра виолончели, самый характер этого инструмента. Интересно, что почти теми же словами характеризует свое первое, еще детское знакомство с этим инструментом знаменитый виолончелист Пабло Каеальс. "В первую же минуту, как послышались ее звуки, я был совершенно потрясен. Мне стало нечем дышать. Было в ее звучании что-то такое нежное, такое прекрасное и человеческое, — да-да, очень человеческое. Никогда я еще не слышал такой красоты. Словно свет вошел в меня. Когда сыграли первую вещь, я сказал отцу: "Папа, я ничего не слыхал чудеснее этого инструмента. Вот на чем я хочу играть".

Виолончели в оркестре часто поручаются мелодии лирического или лирико-драматического характера: ее мягкий и сильный звук как нельзя лучше подходит для этого.

В опере Чайковского "Евгений Онегин" виолончели поручена одна из самых выразительных мелодий. Во вступлении к сцене дуэли У виолончели проходит мелодия арии Ленского — "Что день грядущий мне готовит?"

Контрабас — самый большой и самый низкий по звучанию из струнных смычковых инструментов. Он похож на виолончель, но по размеру приближается к человеческому росту. На нем трудно играть быструю, подвижную музыку; да и звук больших и толстых струн контрабаса не так певуч и красив, как у скрипки и виолончели. Поэтому контрабасу в оркестре довольно редко поручается исполнение самостоятельных мелодий, его партия обычно малоподвижна.

В оркестровых произведениях, когда нужно достичь особой чистоты и прозрачности звучания, композиторы часто используют струнные инструменты, снимая все остальные. Так поступил Вагнер во вступлении к "Лоэнгрину", Верди — в начале вступления к "Травиате".

На смычковых струнных инструментах иногда играют щипком (так называемое пиццикато). Этот прием использовал Чайковский в третьей части своей Четвертой симфонии для того, чтобы получить легкое, воздушное, немного шелестящее звучание.

Каждый из инструментов струнной группы представлен в оркестре не одним, а несколькими исполнителями, число которых может варьироваться. Минимальное число исполнителей каждой партии — это по 6 — 8 исполнителей первых и вторых скрипок, 4 альта, 4 виолончели, 2 контрабаса. Чем больше исполнителей в струнной группе, тем "компактнее", насыщеннее ее звучание.

В отличие от струнных инструментов, легко сливающихся друг с другом, каждый инструмент группы деревянных духовых имеет индивидуальное звучание. И у флейты, и у гобоя звук очень светлый, несколько холодноватый, но гобою при этом присущ чуть-чуть "носовой" оттенок. Звучание этих двух инструментов напоминает нам пастушескую свирель — и не случайно Григ в своей оркестровой пьесе "Утро" (из сюиты "Пер Гюнт") применил Своеобразный "диалог" флейты и гобоя. Начинает флейта, ей отвечает гобой ~ как будто перекликаются два пастуха, играя на свирелях.

Звук кларнета гораздо "теплее", к тому же на кларнете, в отличие от флейты и гобоя, можно дать сильное нарастание или, наоборот, — затухание звучности. Вот почему кларнет часто используется в лирических эпизодах симфонических произведений. В фантазии Чайковского "Франческа да Римини" кларнету поручена мелодия-рассказ Франчески о пережитом и утраченном счастье.

Фагот — бас в хоре деревянных духовых инструментов. Его сумрачное, глуховатое, подчас несколько "ворчливое" звучание очень отличается от звучания других инструментов. В пьесе Грига "В пещере Горного короля" (из сюиты "Пер Гюнт") оно оказалось очень подходящим для того, чтобы изобразить тяжелую поступь сказочных троллей и гномов. Основная мелодия поручена здесь двум фаготам, чередующимся с виолончелями и контрабасами.

Группе медных духовых инструментов (состоящей обычно из труб, валторн, тромбонов и тубы) свойственна очень большая яркость и мощь звучания. Если звучание деревянных духовых инструментов часто напоминает нам пастушескую свирель, то медные инструменты связаны в нашем представлении с воинскими сигналами, с походными маршами. Это не случайно, так как в военных оркестрах применяются именно медные духовые инструменты. Оттуда они и пришли в симфонический оркестр.

Когда медная группа звучит вся вместе, — звучность получается необычайно мощная, яркая, праздничная. Рисуя ликование победившего народа, Глинка ввел в финале оперы "Иван Сусанин", помимо обычного оперного, еще и оркестр медных инструментов.

Отдельные инструменты медной группы также обладают весьма индивидуальным звучанием. Валторне, например, свойственна очень большая мягкость и певучесть.

Слово валторна происходит от немецкого Waldhorn, то есть лесной рог. Действительно, далеким предком валторны был охотничий рог. И может быть, поэтому валторну — "охотничий" музыкальный инструмент — так же, как и деревянные "пастушеские" инструменты, композиторы часто применяют в произведениях, рисующих картины природы.

Среди медных инструментов валторна обладает самыми большими и разнообразными выразительными возможностями. Здесь играет роль и мягкость ее тембра, и то, что на ней можно извлечь звук очень различной силы, постепенно усиливая или ослабляя его.

Валторна "поет" в оркестре нисколько не хуже, чем скрипка или виолончель. Этому инструменту Чайковский поручил одну из самых обаятельных своих мелодий: основную тему второй части Пятой симфонии.

В отличие от валторны труба имеет очень светлый, яркий тембр, ее звук может "прорезать" звучание всего большого оркестра. Мелодии — призывы, кличи, мелодии, напоминающие военные сигналы, очень подходят для трубы.

В классическом оркестре Гайдна медная группа была представлена двумя трубами и двумя валторнами. Принцип "парности" распространялся и на деревянные духовые инструменты (2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота). Такой состав оркестра в наше время называется малым симфоническим оркестром. В большом симфоническом оркестре добавляются еще 2 валторны, 2 тромбона или же 3 тромбона и туба. Принцип "парности", таким образом, сохраняется. В современном оркестре иногда к каждой паре духовых добавляется еще и третий инструмент, являющийся разновидностью того же типа. Так, к паре флейт добавляется флейта-пикколо (маленькая флейта), к паре гобоев — альтовый тобой, к паре кларнетов — бас-кларнет, к фаготам — контрафагот. Такой состав оркестра называется тройным. Соответственно увеличивается и число исполнителей струнной группы. Группа ударных инструментов в малом симфоническом оркестре представлена только литаврами.

Литавры — по внешности и по способу игры на них — напоминают всем известный барабан. Это два медных полушария с натянутой на них кожей. При помощи винтов можно сильнее и слабее натягивать кожу, и от этого меняется высота звука. Этим-то и отличаются литавры от барабана, звук которого не имеет определенной высоты. Отдельные басовые звуки на литаврах можно извлечь с довольно большой точностью.

В большом симфоническом оркестре кроме литавр используются барабаны (малый и большой), тарелки — два медных диска, которые исполнитель ударяет друг о друга, а также треугольник, ксилофон, колокольчики. Два последних инструмента — это набор пластинок разной длины (деревянных — у ксилофона, металлических — у колокольчиков).

Как видно из перечисления оркестровых инструментов, современный оркестр ~ это очень большой коллектив музыкантов. От каждого из них требуется не только умение хорошо играть на своем инструменте, но и умение согласовывать свое исполнение с остальными участниками. О хорошем оркестре часто говорят: "они играют как один человек". Но как же достигается такое единство, такое слияние многочисленных индивидуальностей в одну?

Здесь очень важна роль дирижера. Его жесты не только указывают музыкантам темп исполнения, как некоторые думают, — жестами дирижер должен уметь передать самые тонкие оттенки исполнения, указывая их всему коллективу и отдельным исполнителям. Вот что пишет об этом известный современный дирижер Леопольд Стоковский: "Дирижер должен обладать многогранной способностью восприятия различных родов музыки. Он должен вникать, вживаться в различные музыкальные стили, свободно разбираться в особенностях всех оркестровых инструментов, в том, что они могут и чего они не могут делать, в их регистрах и тембрах, в их соотношениях друг с другом. Хороший дирижер понимает переживания каждого оркестрового музыканта. Он ощущает движение каждого смычка, напряженность или свободу в технике левой руки каждого исполнителя на смычковом инструменте. Он ощущает дыхание и позицию губ каждого духовика. Дирижер должен изо дня в день наблюдать за переменами в исполнении каждого оркестранта, ибо никто и никогда не играет дважды одинаково. Руководя коллективом, дирижер должен оставаться доступным и простым. Необходимо, чтобы музыканты верили в него, доверяли его искренности, работали с ним охотно, отдавая все свои способности служению музыке".

Многие из названных выше инструментов применяются не только в оркестре, но и самостоятельно, для исполнения соло (одним исполнителем, без сопровождения) или с сопровождением рояля. Скрипка, виолончель, альт, а из духовых — флейта чаще других применяются как солирующие инструменты.

А рояль? О нем, как сопровождающем инструменте, мы неоднократно упоминали. Но рояль — один из самых совершенных инструментов для сольного исполнения, по звуковому объему, по мощности звучания он не имеет себе равных. И не случайно ему дали такое название: слово "рояль" значит "королевский".

Рояль — инструмент сравнительно "молодой": если история арфы и флейты уходит в глубокую древность, то положенный в основу конструкции рояля способ соединения струн с клавишным механизмом был придуман в XIV веке. Рояль и его разновидность пианино часто объединяют общим названием фортепиано. Это название произошло от двух итальянских слов: форте — громко и пиано — тихо. Таким образом, название отражает возможность извлекать из этого инструмента звуки самой различной громкости.

К струнному инструменту, напоминающему русские гусли, присоединили клавишный механизм, упрощавший движения музыканта при игре. Вместо того чтобы извлекать звук из струны щипком, исполнитель просто нажимал соответствующую клавишу, а она приводила в действие рычажки механизма, оканчивающегося штифтиком или перышком, задевающим струну.

Разновидности клавишно-струнного инструмента носили разные названия — вер джин ел, клавесин, клавикорд, спинет и другие. Звук этих инструментов был слабый, слегка дребезжащий, совсем не похожий на сильный и красивый звук современного рояля. Лишь в начале XVIII века штифтики были заменены молоточками и было создано фортепиано.

Новый инструмент завоевал всеобщее признание. Для рояля написано огромное количество музыкальных произведений, как блестящих виртуозных (например, рапсодии Листа или его этюды), так и певучих лирических (например, ноктюрны Шопена).

От легкой танцевальной музыки до формы концерта, в котором рояль "состязается" с оркестром, — таков очень широкий круг жанров и форм фортепианной музыки.

Возможности рояля в полной мере раскрыл Лист и как автор множества фортепианных сочинений, и как непревзойденный пианист-виртуоз. В своих сочинениях он как будто поставил своей задачей доказать, что роялю доступно все. Он переложил для него все симфонии Бетховена, великое множество произведений вокальной музыки — оперной и камерной, виртуозные скрипичные пьесы Паганини. Среди его современников — пианистов XIX века надо назвать Шопена, братьев А. Г. и Н. Г. Рубинштейнов, а в XX веке прежде всего, конечно, С. В. Рахманинова. Славу советской фортепианной школы создали и укрепили пианисты Л. Н. Оборин, Э. Г. Гилельс, С.Т.Рихтер.

Существуют и другие инструменты с клавишным механизмом. К ним относится орган, самый большой из всех существующих музыкальных инструментов (орган Большого зала Московской государственной консерватории равен по высоте двухэтажному дому).

Это один из очень старых инструментов, известный (конечно, в гораздо более примитивном виде) еще в Древнем Риме. Орган — духовой инструмент. Он состоит из множества труб (до нескольких тысяч!) разного размера и формы, что позволяет извлекать звуки не только разной высоты, но и разного тембра. Воздух нагнетается в трубы при помощи пневматической системы. Орган имеет несколько рядов клавиш, так называемые клавиатуры, в том числе и ножную, с большими клавишами. Нажимая клавиши и передвигая особые рукоятки, исполнитель заставляет звучать трубы органа. Мощность органа может сравниться только с мощностью оркестра.

Хотя все органы конструируются по определенным законам, каждый инструмент обладает неповторимой индивидуальностью (не в меньшей мере, чем скрипка или виолончель), вложенной в него мастером.

А два столетия тому назад орган занимал такое же место в концертной жизни, как в наши дни рояль. Лучшие композиторы писали произведения для этого инструмента, лучшие музыканты состязались в виртуозной игре на нем. Превосходным органистом был немецкий композитор Иоганн Себастьян Бах, оставивший в своем наследии множество органных сочинений. Сейчас органная музыка переживает период нового возрождения. Во многих концертных залах устанавливаются органы, студенты консерваторий — и не только столичной — обучаются игре на этом замечательном инструменте. Один из лучших в мире органов находится в Риге, в Домском соборе, где сейчас помещается концертный зал Рижской филармонии.