Выше говорилось о народных песнях и о массовых песнях. Но песня может входить как составная часть в оперу или какое-либо другое музыкальное произведение — кантату, ораторию.

Песня живет в народе, сопровождает человека в самых различных обстоятельствах — вот почему, правдиво передавая в опере жизнь и быт народа, композиторы вводят туда песню, как бы перенося в свое произведение то, что непосредственно услышано ими в самой действительности.

Мы часто встречаем в русской классической опере либо подлинную народную песню, либо сочиненную в народном духе. В "Хованщине" Мусоргского раскольница Марфа поет грустную народную песню "Исходила младешенька", высказывая в ней всю свою тоску и обиду на покинувшего ее Андрея Хованского. Мусоргский ничего не изменил в этой народной мелодии, он только написал к ней выразительное оркестровое сопровождение.

Популярность, повсеместное распространение советской массовой песни — причина того, что, рисуя жизнь и быт советских людей в опере, композиторы вводят туда массовую песню. И она не только помогает верно обрисовать быт советских людей, но часто служит характеристикой героев наряду с ариями, монологами, речитативами и другими более сложными оперными формами, о которых пойдет речь ниже. Можно привести ряд примеров очень удачного использования этого жанра в советском оперном творчестве.

В опере Дзержинского "Тихий Дон" финальная песня "От края и до края" правдиво и выразительно передает решимость красноармейцев, уходящих воевать "за землю, за волю, за лучшую долю". Песня школьников в опере Кабалевского "Семья Тараса" является меткой характеристикой юных героев оперы — Насти, Павки и их друзей.

В опере Щедрина, действие которой происходит в современной деревне ("Не только любовь"), очень широко использован жанр частушки.

Так, при всей простоте формы, при всей лаконичности песня обладает многими свойствами, позволяющими ей выражать большие идеи и чувства, обобщать значительные явления жизни.

Вокальное произведение для одного голоса с сопровождением чаще всего называют не песней, а романсом. Слово романс — испанского происхождения. Первоначально оно обозначало светскую песню на романском, то есть на испанском, языке, в отличие от песнопений на латинском языке. В Россию этот термин пришел из Франции и первоначально обозначал произведения именно на французский текст. Такие романсы, следуя моде, во множестве сочиняли русские композиторы конца XVIII и начала XIX века. Произведения же, написанные на русский текст, назывались российскими песнями. С течением времени значение слова романс расширилось и термин этот стал обозначать произведение для голоса с сопровождением, написанное в более сложной, чем песня, форме.

Начало расцвета романса — первая половина XIX века, период, для которого вообще характерен особый интерес к лирическому искусству, выражающему внутренний мир человеческой личности. Увлечение французскими романсами отражено в грибоедовской комедии "Горе от ума", где Фамусов, характеризуя московских барышень-невест, говорит о них:

Французские романсы вам поют

И верхние выводят нотки…

В это время создавали свои произведения: в России — Глинка, Даргомыжский, Алябьев, Варламов, за рубежом — Шуберт, Шуман. Во второй половине XIX столетия и в начале XX к именам первых классиков романса прибавились имена Чайковского, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, Рахманинова, а за рубежом — Грига, Брамса, Вольфа и других. Созданные ими романсы и сейчас постоянно звучат в концертных программах, пользуясь неослабевающей любовью слушателей.

Романс, как и песня, по самой своей природе связан с поэзией. (Различие терминов романс и песня существует и во французском языке (romance и chanson). В немецком языке оба эти жанра называются одним словом Lied.) Хорошие стихи как будто сами "просятся на музыку". В русском романсе, по существу, отражена вся история русской поэзии, от Пушкина и даже от его предшественников до наших дней.

Поэзия Пушкина имела для русского романса особое значение. Еще тогда, когда великий поэт был мальчиком-лицеистом, его товарищи — молодые музыканты — перекладывали его стихи на музыку. Замечательные романсы на слова Пушкина написал его великий современник Глинка, композитор, очень близкий Пушкину по духу творчества. Пушкинские романсы Глинки и в особенности романс "Я помню чудное мгновенье" принадлежат к числу самых замечательных произведений русской музыки.

Чутко отражали наиболее яркие поэтические явления и мастера западноевропейского романса. Так же, как творчество Глинки воплотило поэзию Пушкина, так и в вокальном творчестве Шуберта многие произведения глубоко и верно отражают дух поэзии Гете, а романсы Шумана тонко передают особенности стиха Гейне.

По сравнению с песней связь музыки и слова в романсе более тесная, детальная. Музыка передает не только общий характер поэтического текста, но и отдельные поэтические образы. Интонационно-речевые особенности поэтической формы также получают более детальное отражение в музыке романса. Разница музыкальной трактовки стиха в песне и в романсе становится очень ясной, если сравнить, например, романс Чайковского "Песнь цыганки" на слова Я. Полонского с народной песней "Мой костер" на тот же текст.

В народной песне напев каждого куплета охватывает собой четверостишие, а припев повторяет два последних его стиха:

Эта мелодия, в которой причудливо соединяются удаль и грусть, хорошо передает общее настроение песни-прощания.

Романс Чайковского передает настроение поэтического текста более тонко и гибко. Когда вы слушаете этот романс, то сначала кажется, что композитор написал его тоже в куплетной форме, Но напев каждого куплета распространеннее, он охватывает не одно четверостишие, а два, давая широкое эмоциональное развитие. Мелодия, начинаясь довольно сдержанно и спокойно, становится затем взволнованной и страстной:

Но, повторив дважды эту мелодию, Чайковский вместо третьего куплета дает новую музыку, уже не песенного, а декламационного склада, стремясь подчеркнуть драматизм прощания цыганки с ее милым.

А в конце опять возникает знакомая мелодия, повторяются слова и напев первого четверостишия, звучащие, как отзвук, как воспоминание.

Очень большое значение имеет в "Песне цыганки" партия фортепиано, подражающая печальным переборам цыганской гитары. Гибкое следование мелодии за поэтическим словом, отражение в музыке поэтических образов стихотворения в их развитии, а не в виде обобщенного вывода, большое значение фортепианной партии — все это характерно для жанра романса.

Часто романс содержит яркое контрастное противопоставление различных образов, примером чего может служить романс Франца Шуберта "Мельник и ручей" на слова В. Мюллера. Стихотворение Мюллера представляет собой диалог юноши и ручья. Юноша поверяет свои любовные горести ручью, ручей его успокаивает, но юноша остается безутешным. Противопоставление двух персонажей стихотворения находит отражение в мелодике романса, в его ладовом строении, в характере фортепианной партии. Первая часть — жалобы юноши — написана в миноре, скорбная мелодия лишь легко поддерживается аккордами сопровождения:

Во второй части минор сменяется мажором, а в партии фортепиано как бы слышится журчащий лепет ручья:

И снова возвращается мелодия первой части — горестные сетования юноши. Но и голос ручья не умолкает, в партии фортепиано продолжает звучать его журчание. Таким образом, в третьей части как бы слиты образы первой и второй частей.

Творчество классиков романса так же, как и современных авторов, дает примеры очень большого разнообразия форм в этом жанре.

Из двух элементов романса — поэтического слова и музыки — то один, то другой получает ведущее значение, и в связи с этим в одних романсах преобладает напевность, в других — детально разработанная декламация. В конце XIX века многие композиторы, стремясь всецело подчинить музыку поэзии, стали даже называть свои произведения не романсами, а "стихотворениями с музыкой" (Рахманинов, Танеев). Иногда характер вокальной партии в романсе приближается к оперной арии, музыка как бы выходит за пределы камерного жанра.

Обогащение жанра романса, расширение его выразительных возможностей происходит в музыке не только путем воздействия оперных форм на романс. С этой же целью композиторы нередко объединяют романсы в "песенный круг" — вокальный цикл. В цикле вполне возможно сопоставить несколько контрастных образов, дать их широкое развитие, то, чего с трудом можно достигнуть в пределах одного романса или песни.

Форма сюжетно и музыкально объединенного вокального цикла возникла в начале XIX века, первым ее образцом является цикл Бетховена "К далекой возлюбленной" (1816). В дальнейшем к этой форме обращались Шуберт, Шуман и многие другие композиторы, в том числе русские — Глинка, Мусоргский, а также наши современники — советские композиторы.

Песня Шуберта "Мельник и ручей", о которой шла речь выше, входит в вокальный цикл композитора "Прекрасная мельничиха". Двадцать песен цикла составляют своего рода "музыкальный рассказ" о любви юноши-подмастерья к дочери хозяина. Любовь эта, вначале сулившая счастье, а потом отравленная ревностью, приводит юношу к мысли о смерти.

В песнях цикла с большой психологической тонкостью отражены все фазы этого чувства, и хотя ни одна из песен не выходит за пределы лирики — весь цикл в целом дает развернутое последовательное изложение сюжета. В этом есть нечто общее с литературной формой романа в письмах, где каждое из писем является лирическим излиянием, а все они вместе составляют роман с развитым сюжетом и детальной характеристикой героев.

Но песни, входящие в вокальный цикл, имеют не только сюжетную, но и музыкальную связь. Так, например, в названном выше цикле Шуберта мы ясно ощущаем интонационное родство между некоторыми песнями. Кроме того, в сопровождении многих песен слышится подражание журчанию ручья, которому влюбленный юноша поверяет свои радости и горести. Этот образ ручья — образ природы-утешительницы — проходит через весь цикл и придает его музыке светлый характер, несмотря на грустный сюжет.

Весьма своеобразен один из очень старинных вокальных жанров — баллада.

В средние века это слово обозначало собой танцевальную песню (от позднелатинского ballare — танцую). С течением времени баллада утратила танцевальный характер, а слово это стало обозначать песню повествовательного характера, большей частью рассказывающую о необыкновенных — фантастических и легендарных — событиях. Такие повествовательные песни есть в искусстве многих народов, хотя они не всегда носят название баллады. Такова, например, немецкая баллада о Лорелее, рейнской русалке, манящей своим пением корабли к опасным скалам, английская баллада о двух сестрах-соперницах, шотландская баллада "Эдвард" о сыне, убившем отца. Напевы народных баллад самые различные, но чаще всего они имеют строфическую форму, иногда с припевом.

С конца XVIII века и особенно с XIX века в связи с оживлением интереса к народному искусству и, в частности, к народной фантастике жанр баллады проникает в поэзию, а через нее и в профессиональную музыку.

Много баллад на народные сюжеты создал польский поэт Мицкевич, баллады писали Шиллер и Гёте, Байрон и Гейне.

Жуковского, переводчика многих баллад и создателя русской баллады ("Светлана"), современники так и называли: "балладник". Баллада не могла не затронуть и творческое воображение композиторов, откликнувшихся уже на первые образцы этого жанра в поэзии. Так возникла баллада как музыкальный жанр, с ‘присущими ему характерными особенностями.

Уже в первых балладах XIX века ("романтических балладах", как их обычно называют) отчетливо выявились эти характерные черты. Необычность и яркость событий, о которых рассказывается в балладе, была причиной стремления композиторов к возможно большей картинности, изобразительности музыки, последовательно передающей все этапы развития сюжета. Поэтому баллада часто не укладывается в рамки куплетной или трехчастной формы, а строится свободно, следуя за текстом. Но в лучших образцах баллад тщательное следование музыки за поэтическим текстом сочетается с законченностью музыкальной формы.

Характерные черты этого жанра очень ясно видны на примере одной из лучших в мировой музыкальной литературе баллад, созданной Шубертом на слова Гёте, "Лесной царь".

Музыка этого произведения передает и стремительную скачку всадника, везущего на седле больного сына, и фантастические видения, возникающие в омраченном сознании ребенка. В вокальной партии слышится то взволнованный лепет мальчика, то успокаивающая речь отца, то манящая, околдовывающая песня Лесного царя. А фортепианная партия с ее беспокойным, напряженным ритмом еще усиливает ощущение взволнованности.

Среди баллад русских композиторов выделяется замечательное произведение Глинки "Ночной смотр" (на слова И. Цедлица в переводе В. Жуковского), рассказ о фантастическом параде мертвого войска перед мертвым полководцем. Передавая в музыке отдельные детали поэтического повествования (дробь барабана, звуки трубы, ритм марша), композитор создает при этом очень стройное, законченное произведение, разделяющееся на строфы с повторяющимся припевом:

В двенадцать часов по ночам,

В двенадцать часов по ночам.

Баллады в романтическом духе писал Верстовский, из них наибольшей известностью пользовалась "Черная шаль" на слова Пушкина. К жанру баллады относятся также "Море" Бородина, "Свитезянка" Римского-Корсакова.

Баллада иногда входит в произведение крупной формы - в оперу, ораторию. Так, например, Чайковский избрал эту форму в "Пиковой даме" для рассказа Томского о тайне трех карт, обладательницей которой была старая графиня, в симфонии-кантате Шапорина "На поле Куликовом" одна из частей носит название "Баллада витязя".

Мы рассказали о наиболее распространенных вокальных жанрах, постарались определить их самые характерные черты.

К вокальной музыке относятся также оперы, оратории, кантаты. Но в этих музыкальных жанрах очень большое значение имеет оркестр, состоящий из множества музыкальных инструментов.